Últimas películas de la pantalla grande venezolana

Esta es una recopilación de las últimas películas venezolanas desde el 2012 hasta los próximos estrenos en la gran pantalla.

  • Er relajo der loro

Cincuenta años de historia venezolana vista desde los ojos de un loro real, con múltiples nombres y según el dueño del momento: “Empanadita”, “Democracia” o “Penélope”. Su vida está marcada desde que fue vendido a traficantes de animales cuando era tan sólo un pichón, allá en la época de Pérez Jiménez. Ni se imaginan las peripecias de las que será testigo este loro en la búsqueda de sus más anhelados sueños. ¡Que relajo!.

  • Cabimas, donde comenzó todo

Carlos un personaje en crisis obsesionado por el futuro del planeta abandona el periodismo y decide realizar un documental sobre Cabimas. El tema es descubrir la huella que casi un de siglo explotación petrolera ha dejado sobre los habitantes de esa población, el lugar donde estalló el pozo Barrosos 2 hecho trascendental que cambió el destino de Venezuela. Pero la búsqueda se hace ardua porque Carlos descubre que él mismo y sus compañeros son también producto del desconocido país que ha modelado el petróleo.

  • El manzano azul

en los bellísimos páramos de Mucuchíes, estado Mérida ha crecido un Manzano Azul, “porque sí”. A las sombra de este insólito árbol, el Abuelo Francisco tendrá mucho que enseñar y aprender con su nieto Diego. La historia, entre emotiva, simpática y humorística, nos llevará por increíbles vericuetos.

  • Memorias de un soldado

En la Rebelión de 1814 en Venezuela, durante de una cruenta derrota infligida a los rebeldes un joven soldado patriota es capturado por el ejercito realista. Los monárquicos le perdonan la vida y pasa a servir al Rey. Luego de seis años de guerra llega a Caracas después de la tregua generada por el Armisticio de 1820, allí conoce a Lucia una bella espía patriota. Se reanuda la guerra y decide pasarse nuevamente al ejercito rebelde, pero ya nada será igual para el… ¿Traidor para unos? ¿Desertor para otros? Su vida cambiará por siempre.

  • Wayuu, la niña de Maracaibo

Tierra de Wayuus, tierra de hombres fuertes donde mandan las mujeres. En ella la realidad la viven las almas durante el sueño, y las almas durante el sueño, y las almas viajan mientras dormidas. En estas tierras la vida es un viaje hacia el Jeripa, desiero situado al norte de la guajira frente al mar. Y allí en la Jepira nuestras almas quedan en la memoria de los que sobreviven. Alatriste, un detective europe, quien por circunstancias de de su pasado llega a estas tierras, y debe enfrentarse al hechode que el rey Wayuu ha trasgredido las reglas y se ha enamorado de una blanca Maracucha, entonces el universo de certezas que han estructurado la vida del detective, se le parte en mil pedazos bajo la egida de la más joven hija del rey Wayuu.

  • Er conde bond

En el 2012 vuelve el hijo de Albertina. Bejamín Rausseo es ER CONDE BOND 007 y Pico. La Britannica Inteligence Service pierde a su mejor agente, Er Conde Bond 007, sólo su hermano gemelo, Chuito, podrá suplantarlo en una de las misiones más difíciles de todos los tiempos, convirtiéndose en Er Conde Bond 007 y Pico. El mafioso Chichón Li, un poderoso asiático ha lanzado alrededor del mundo la Misión Hambre Adentro con el fin de apoderarse y acaparar todo el alimento existente, Er nuevo Conde Bond es asignado para derrotarlo, pero no le será tarea fácil. Este tendrá que pasar por varias situaciones que pondrán su vida en peligro al enfrentarse a este malvado y sus secuaces. El conocer el verdadero amor y vengar la muerte de su hermano ayudarán a sacar la fuerza necesaria para que Er Conde Bond 007 y Pico salga ileso de esta gran aventura.

Instituciones públicas que rigen la actividad cinematográfica venezolana

Como se puede apreciar, la legislación concibe al cine como una actividad donde los organismos de la esfera pública y de la esfera privada deben contribuir en forma conjunta con los objetivos antes enunciados. En este sentido se consideran las diversas actividades que conforman la actividad cinematográfica, las cuales son: la realización o creación; la distribución y la exhibición o difusión. A continuación, señalaremos cuáles son los entes públicos que regulan la actividad cinematográfica en Venezuela y qué funciones cumplen:

En primer lugar tenemos el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), que se presenta como un instituto autónomo con personalidad jurídica, un patrimonio propio y cuyas funciones son las siguientes:  diseñar los lineamientos generales de la política cinematográfica, suscribir convenios destinados a desarrollar la producción, distribución, exhibición y difusión de obras cinematográficas nacionales, estimular, proteger y promover la producción, distribución, exhibición y difusión dentro y fuera del país, de las obras cinematográficas nacionales, incentivar la creación y protección de las salas de exhibición cinematográficas, fomentar el desarrollo y mantenimiento de la infraestructura cinematográfica, estimular la diversidad de la precedencia de las obras cinematográficas extranjeras y fomentar las de relevante calidad artística y cultural, promover el mejoramiento profesional de su personal y de los trabajadores independientes que laboran en la industria cinematográfica, de conformidad con la ley, entre otras.

Luego tenemos el Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine que utiliza las siglas FONPROCINE. Este organismo está adscrito y administrado por el CNAC, y cuenta con un patrimonio separado. Su función es la promoción, fomento, desarrollo y financiamiento del cine. FONPROCINE está constituido por los siguientes aportes:

1) Los beneficios netos que se obtengan de las operaciones que se realicen con la utilización de los recursos del Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine (FONPROCINE), así como aquéllos que se deriven del arrendamiento, inversión o enajenación de los bienes que constituyen su patrimonio.

2) Los aportes extraordinarios originados de la enajenación de los bienes que por cualquier título posea el Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine (FONPROCINE).

3) Los aportes extraordinarios que le destine el sector público y privado en cualquier tiempo.

4) Los aportes que se deriven de las contribuciones especiales que se contemplan en el Título VIII de la Ley de Cine, las cuales serán enteradas y pagadas por los obligados a realizarlo, en la oportunidad que determine esta Ley y el Reglamento respectivo, en una cuenta del Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine (FONPROCINE), conforme con el procedimiento que se establezca.

5) Los ingresos que generen las actividades de promoción, desarrollo y financiamiento del cine.

6) Los aportes provenientes de la cooperación internacional.

Como se puede apreciar, tanto el CNAC como FONPROCINE han sido creadas para la promoción, estímulo y desarrollo económico del cine nacional, así como también la promoción de obras nacionales y extranjeras de que sean de relevante calidad artística y cultural.

La libertad de pensamiento y expresión en la creación de la obra cinematográfica

El artículo 47 de la Ley de Cine establece que ningún realizador o productor podrá ser privado de su libertad personal por causa del tema, contenido, guión, personajes o demás elementos inherentes al mensaje o idea de la obra cinematográfica, salvo decisión que emane del órgano jurisdiccional competente.

La creación cinematográfica también goza de la protección consagrada en el artículo 57 de la Constitución Nacional, que dice así:

“Artículo 57. Toda persona tiene derecho a expresar libremente sus pensamientos, sus ideas u opiniones de viva voz, por escrito o mediante cualquier otra forma de expresión, y de hacer uso para ello de cualquier medio de comunicación y difusión, sin que pueda establecerse censura. Quien haga uso de este derecho asume plena responsabilidad por todo lo expresado. No se permite el anonimato, ni la propaganda de guerra, ni los mensajes discriminatorios, ni los que promuevan la intolerancia religiosa.

Se prohíbe la censura a los funcionarios públicos o funcionarias públicas para dar cuenta de los asuntos bajo sus responsabilidades.”

En relación con los incentivos de financiamiento para la creación y producción nacional, la ley prevé un sistema de certificación de obra cinematográfica nacional expedida por el CNAC. Para que una creación cinematográfica no publicitaria ni propagandística sea catalogada de producción nacional, deben cumplir los siguientes requisitos:

1)  Director venezolano o extranjero con visa de residente en el país.

2) El guión, adaptación, argumento, guión literal, diálogos o guión técnico sea de autor venezolano o en su mayoría venezolano, o extranjeros con visa de residente en el país. El Comité Ejecutivo, por vía de excepción, podrá exonerar el cumplimiento de este requisito.

3) La versión sea en español o lengua indígena. El Comité Ejecutivo podrá eximir el cumplimiento de este requisito.

4) El CNAC deberá exigir, además de los requisitos a los que se refieren los numerales anteriores, el cumplimiento de una o varias de las condiciones en las que: a) Los costos de producción sean financiados en proporción no inferior al cincuenta y uno por ciento (51%) por capitales nacionales; b) El cincuenta por ciento (50%) del tiempo de rodaje requerido para la realización de la obra cinematográfica se ejecute en el país; c) La mitad de los protagonistas y de los papeles principales y secundarios sean interpretados por actores venezolanos o extranjeros residentes en el país; d) La mitad del personal técnico sea de nacionalidad venezolana, o extranjeros residentes en el país.

Según el artículo 46 de la Ley de Cine, los entes públicos nacionales, estadales o municipales y las empresas en los cuales éstos tengan una participación decisiva, brindarán su concurso y facilitarán la producción de obras cinematográficas nacionales.

 

Temáticas del cine venezolano

Este video es acerca de cómo se la temática mantenida  a lo largo del tiempo la temática del cine venezolano y cómo ha cambiado en los últimos años.

¿Qué opinan los caraqueños acerca del cine venezolano?

http://www.ivoox.com/que-opinan-caraquenos-acerca-del-cine-venezolano_md_1697850_1.mp3″ Ir a descargar

Locaciones en Venezuela

No todos los cineastas venezolanos aprecian los paisajes que ofrece el país para la realización de sus películas. Sin embargo, si hacen uso de los barrios para dar a conocer la realidad que vive el ciudadano día a día o utilizan locaciones extranjeras. No con esto se quiere decir que proyectemos una utopía de lo que somos, sino más bien que demos a conocer todas las cosas bellas que tenemos. Ya que, tenemos que ser cocientes que podemos durar años en proyectarle al mundo qué tenemos y cómo somos, pero puede bastar solo un acción para destruirlo todo. Acá te dejamos una muestra de las bellas locaciones con las que cuenta nuestro país, como abre bocas:

Puerto de la Guaira – Edo. Vargas

Parque Francisco Miranda – Distrito Capital

Vista de Caracas desde el Teleférico Warairarepano

Playa Caribe – Edo. Nueva Esparta

Playa de Los Caracas – Edo. Vargas

25

Atardecer en juan Griego – Edo. Nueva Esparta

19

La Colonia Tovar – Edo. Miranda

la foto

Torre de Parque Central – Distrito Capital.

caribe 2

Costa de La Guaira – Edo. Vargas

 

FOTOS DE MARYORITH GONZÁLEZ Y ARIANNA ERRANTE

Consideraciones legales sobre la actividad cinematográfica en la historia de Venezuela

En el año 1943, por iniciativa de Luis Guillermo Villegas Blanco, se constituye formalmente la empresa Bolívar Films y se funda la Asociación Venezolana de Exhibidores Cinematográficos. En 1949, Bolívar Films empieza a producir largometrajes dentro de un esquema industrial, contratando actores, directores y técnicos mexicanos y argentinos. 1956 sería el año de fundación de la Cámara de la Industria Cinematográfica. En la década de 1960 se inicia una serie de discusiones entre cineastas y críticos por la creación de una Ley de Cine. Sería entonces en mayo de 1967 cuando se entrega al Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA) el primer proyecto de la Ley de Cine, que constituía una formulación de aspiraciones comunes entre todos los que participaban de la actividad cinematográfica venezolana en aquel entonces.

Ahora bien, es a partir de 1971 cuando surge el interés del Estado venezolano por el cine. Es así como durante el primer gobierno de Rafael Caldera, nace la Dirección de Cine a través del entonces Ministerio de Fomento. Dos años después, la película Cuando Quiero Llorar no Lloro, de Mauricio Walerstein, basado en la novela de Miguel Otero Silva, consigue un éxito de taquilla sin precedentes para un filme venezolano y da inicio al llamado boom del cine nacional. Es así como en 1974 nace la Federación Venezolana de Centros de Cultura Cinematográfica (Fevec), un organismo creado con la función de velar y actuar por la libre circulación y exhibición cinematográfica de índole cultural, agrupando a todos los centros de cultura cinematográfica, cineclubes, centros de cine experimental, cinematecas y circuitos populares de exhibición.

En 1975, el Estado venezolano inicia el otorgamiento de créditos para la producción cinematográfica a través del convenio entre los extintos organismos Corpoturismo y Corpoindustria. Más adelante, en el gobierno de Luis Herrera Campins, se crea en 1981 el Fondo de Fomento Cinematográfico (Foncine), con el propósito de estimular la producción cinematográfica nacional, mediante créditos de financiamiento para la producción y realización de largometrajes y cortometrajes. En el año 1990 se crea mediante un decreto presidencial la Fundación Cinemateca Nacional.

Después de años de espera, encuentros y desencuentros gremiales, debates universitarios, discusiones públicas y estudios académicos; el 8 de septiembre de 1993 se aprueba finalmente la primera Ley de Cinematografía Nacional durante el gobierno de Ramón J. Velázquez, y se crea en 1994 el ente rector de la actividad denominado Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, que sustituyó en sus funciones al Fondo de Fomento Cinematográfico (Foncine). Como todo reglamento legal que se respete, la Ley de Cine de 1993 buscaba en última instancia la organización del proceso cinematográfico y la modernización de dicho sector en Venezuela. Sin embargo, no establecía protecciones a la industria cinematográfica ni era clara con respecto a la posición del Estado venezolano en cuanto al tema de la distribución y exhibición de películas. Es decir, no establecía ninguna cuota de pantalla para las producciones fílmicas nacionales (como sí lo hará la Ley de Cine de 2005). Más adelante, la Ley de Cine de 1993 sería derogada por la llamada Ley de la Cinematografía Nacional del 26 de octubre de 2005 (Gaceta Oficial Nº 5.789 Extraordinario del 26 de octubre de 2005). Y es justamente la Ley de Cine del 2005 la que se analizará a continuación.

 

Factores que dan lugar al éxito de los largometrajes cinematográficos

A lo largo de la historia se han ido incrementado una variedad de factores que influirán en el éxito o fracaso de un largometraje. El cine ha contribuido por medio de la reproducción de los largometrajes  la difusión de ideas y costumbres sin distinguir fronteras políticas ni barreras culturales. Éste es uno de los sectores económicos donde se aplican más los principios y técnicas comerciales.

El marketing es uno de los factores más predominantes del éxito de un largometraje a nivel mundial, hay que tener en cuenta que el marketing no empieza cuando una película está ya terminada, sino mucho antes de empezar a rodarla, y algunas veces, incluso antes de que se escriba el guion esto con el fin de alcanzar la máxima notoriedad en el momento del estreno. Hay que destacar que el marketing debe ser pensado de país en país, ya que puede que el contenido de una película puede no tener un interés mundial sino a países específicos. En el marketing de los largometrajes se dedican muchos recursos humanos y financieros a las relaciones públicas para conseguir el mayor espacio posible en los medios de comunicación y el lanzamiento va acompañado de numerosas acciones comerciales en las que, a veces, se invierte más que en la propia producción. Igualmente, se planifica la explotación estratégica de la vida del filme para alcanzar la mejor rentabilidad. El marketing en el cine analiza el mercado cinematográfico y su entorno con una perspectiva fundamentalmente comercial pero sin olvidar las cuestiones jurídicas, tecnológicas y sociales, que son difíciles de obviar y que tienen importantes implicaciones económicas en el sector. Por otra parte, hay que tener en cuenta lo que el realizador tenga como meta, como lo expone el portal web CINEMAPRESS “lo que el realizador y/o productor tenga como meta, nosotros evaluamos la posibilidad de que eso sea posible en relación al proyecto cinematográfico que tengan en ese momento. De analizar su película como producto único, de compararlas con otras similares en contenido a ella, de crear estrategias comunicacionales, publicitarias, redes sociales….”

Al momento de comenzar la campaña de marketing de una película se debe tener en cuenta, el público y el núcleo comunicacional, es decir, a quién y qué se va a destacar del público para llamar su atención.

Una vez que esté definido el proyecto que realizará, el primer paso es definir el público al cual va dirigido el largometraje. Hay que tener en cuenta que el público no es sólo la “audiencia” que, si bien es el objetivo máximo, a los efectos del diseño de una campaña de marketing cinematográfico, diferenciaremos a “los públicos” en internos a la industria y externos a ella. Dentro del público interno tenemos a: productores, coproductores, productores asociados, distribuidores y entidades de fomento. Todo esto son piezas de publicidad. El público externo, en cambio, es la audiencia, la gente que va y compra la entrada, alquila o compra el DVD, etc. A este público se lo denomina target, la audiencia específica de la película.

Para reunir el público interno y el público externo a fin de mostrar y publicitar el film, una buena vidriera son los Festivales, donde encontramos en un mismo lugar a ambos públicos.

Luego de esto, se fija el núcleo comunicacional de la campaña que se refiere a aquello que se va a destacar en el largometraje como ventaja diferencial para atraer al público. Cómo y con qué construyo el mensaje. De donde se destacan los siguientes:

  • La selección de la historia: la adaptación de una historia basada en un best-seller literario no es un concepto reciente. De aquí que se está garantizando una historia que ya ha sido aprobada por el público y esto aumenta las posibilidades de aceptación al momento de llegar a la sala de cine. De igual forma actúa el concepto del remake; apelar a historias conocidas como elemento central del filme. Un ejemplo puntual de la teoría del best-seller lo protagoniza el largometraje The Social Network, estrenada en el año 2010, basada en el best-seller literario Millonarios por Accidente, escrito por Ben Mezrich y adaptado al largometraje por Aaron Sorkin.
  • La elección del tema o genero, esto puede verse influenciada por el público ya sea porque los mismos estén de moda o simplemente por ser algo diferente, surrealista y/o innovador que llame la atención de la audiencia. Por ejemplo, en el año 2009 tenemos que el género más utilizado al momento de hacer largometrajes fue el de la comedia romántica aquí  encontraremos a largometrajes como Loca por las Compras, 500 Días con ella, La Propuesta, La Cruda Verdad, Guerra de Novias, El Caza Recompensa, ¿Dónde están los Morgan?, 17 Otra Vez, Ejecutiva en Apuros, Mi Segunda Vez, entre otras. Así como también rompió paradigmas el largometraje de  Avatar  en el 2010 mostrando algo surrealista e innovador. Por eso, este es un tema importante y que debe ser elegido con mucho cuidado y en el que no debe influir el gusto de los que vayan a realizar el largometraje, ya que implicaría más bien un gusto personal y allí podría verse implicado el fracaso de un largometraje porque no se trata de lo que le guste a sus autores sino lo que el público esta demandando.
  • El casting o elenco: la presencia de actores reconocidos como figuras públicas determinan en cierta forma la percepción previa del filme y la correcta ejecución de las acciones. Como contraparte, si un largometraje tiene una buena historia que contar pero sus actores no realizan un buen trabajo, los resultados se verán disminuidos. Una muestra de selección de casting exitosa queda evidenciada en el filme Día de San Valentín que reunió a una variedad de artistas reconocidos; filme que rompió record de taquilla el fin de semana de su lanzamiento. Sin embargo, no existe unanimidad en el tipo de relación entre éxito de la película y presencia de actores o actrices conocidos. Según A. Ravid, la presencia de un actor o actriz famosos agrega poco a la rentabilidad de un largometraje, aunque sí que sirve en los casos de menos éxito. “Una mala película con Bruce Wills es más rentable que una mala película sin Bruce Wills” (Grant, 2004: 98). Otros encuentran que aunque la presencia de actores y actrices conocidos tiene un impacto positivo sobre los ingresos en las salas, contribuye también a aumentarlos costes de las películas, con lo cual el efecto final puede ser negativo. Así, Gilbert Rolfe, a partir de un estudio sobre 875 películas, señala que la presencia de un actor o actriz de éxito agrega unos 12 millones de dólares, pero supone 29 millones de dólares más de costos (Gilbert-Rolfe  y otros, 2002).

Luego de definir el núcleo comunicacional en función del target (o viceversa), se debe crear la imagen de producto, es decir, el “cómo”. Esto se plasma con diferentes elementos. Pero, no todos los instrumentos expuestos se tienen utilizar en una misma campaña. El uso de los mismos dependerá de los recursos con los que se cuente y con los objetivos que se pretendan alcanzar.

  • Nombre: se debe dar al nombre (título) del largometraje un tratamiento de “marca”. Hay que dar forma y diseñar esa marca para que sea lo más representativa posible, teniendo en cuenta que se va a repetir en nuestra comunicación constituyéndose en un sello (o por lo menos así debería ser).

El nombre es una de las primeras formas de comunicación que tiene el producto con el espectador/cliente y es donde se inicia el proceso de posicionamiento del producto. El nombre debería ser cuidadosamente seleccionado porque será un arma importante en el marketing del producto, tanto que en ciertos productos puede significar el éxito o el fracaso.

  • Paquete gráfico: se debe pensar en los colores, las formas, las texturas que se utilizarán en la comunicación del largometraje. Estas imágenes en primer lugar deben ser fieles con el producto esto quiere decir que la imagen cuente algo de la película, enfatizar claramente el núcleo comunicacional (por ejemplo, si destaco el elenco pondré un primer plano destacado del protagonista) y por sobre todo, ser atractivas al público al cual se dirigen.

Los carteles cinematográficos, por su parte, están compuestos por dos estímulos un fuerte y otro débil: la imagen y el texto respectivamente. La imagen, gracias a su mayor poder de atracción y seducción (composición, dinamismo, etc.), es la encargada de cautivar la mirada del viandante, que entre los muchos estímulos que recibe en  su caminar, deberá detenerse a ver y leer el cartel cinematográfico. El texto en cambio, por ser mucho mas débil actuara como matizado, como elemento aclarador de  las muchas posibles lecturas del componente visual.

En la comunicación con imágenes hay que tener en cuenta una serie de estamentos por los que pasa la codificación y descodificación del mensaje, pues no sólo es una comunicación con elementos analógicos, como podría pensarse a priori, sino que existen elementos arbitrarios que comunican tanto o más. Como lo son los actores, objetos, acciones, etc.

Por otra parte, la tipografía de un cartel cinematográfico puede terminar siendo una “marca”. Primero hay que entender el concepto de marca como lo siguiente: “Si seguimos a Joan Costa en su concepción de “marca” como aquello que distingue a un producto de los demás, que “permanece, de modo más o menos estable, en la memoria de una colectividad (Costa, 1987:27), y que es un apoyo constante para recordar la “diferenciación, la garantía, la seguridad, el compromiso de constancia en la calidad, y también el gran soporte estratégico de la empresa” (Ibíd.: 46)” (Gómez.: 214). Cuando se  aplica este concepto al cine quiere decir que el cartel, el medio de promoción más básico, tiene que dejar una huella eficaz que sirva para recordar fácilmente al producto, e impregnar en él una serie de valores inconscientes que ayuden a la función persuasiva. Por lo tanto, el consumidor busca la “marca”, persuadido por las connotaciones positivas que le ha transmitido la publicidad del largometraje. Ésta por si sola, se convierte en una señal de garantía, de seguridad y de satisfacción.

  • Paquete sonoro: cuando a la campaña de marketing que se esta empleando en el largometraje se le suman los sonidos.

Los trailers forman parte de estos, ya que “construyen una narrativa  propia que difiere del mundo ficticio de la propia película, pero además crea deseo hacia este mundo ficticio. El ritmo de la mayoría de los trailers acentúa el carácter de la película como espectáculo cinematográfico, mostrando los elementos más atractivos de la película o las imágenes más seductoras, posicionándola como una mercancía en venta. Sin embargo la narración no desaparece en este proceso, los trailers son pequeñas historias en las que imágenes individuales cuidadosamente seleccionadas y dinámicamente combinadas generan el deseo en el espectador de ver el film que el tráiler promociona.” (Pons,). Es decir, el tráiler ofrece al espectador un montaje discontinuo que opera a través de la alternancia y combinación de escenas para construir una nueva lógica diferente, aunque relacionada, de la lógica narrativa de la película. Cada plano en un tráiler debe transmitir información acerca de algunos elementos narrativos como la subjetividad de los personajes y sus relaciones, una breve aproximación al argumento de la película y crear suspense entorno a la cinta. Mediante esta pieza audiovisual promocional, el espectador conoce la existencia de un film y le atribuye unas características que le ayudan a distinguirlo del resto de películas de la cartelera.

El tráiler persigue fundamentalmente tres objetivos: en primer lugar, informar sobre la existencia de una película determinada y de su próximo estreno. En segundo lugar, crear expectación en el espectador sobre la película que anuncia y por último, transmitir el estilo de la película, principalmente su estética y su temática.  El mensaje se dirige al público que frecuenta las salas. Este público a pesar de ser más reducido que el de otros medios, muestra una predisposición a aceptar el producto anunciado con el tráiler. Otra vía de distribución del tráiler es por medio del internet, ya que la Red ofrece  sitios dedicados a la promoción cinematográfica donde el usuario puede ver trailers de películas en tiempo real, descargarlos y guardarlos directamente en el disco duro para poder volver a verlos cuando prefiera. Además es frecuente encontrar en algunos sitios web, como el canal de vídeos Youtube, versiones de los trailers realizados por los propios usuarios.

En el momento de realizar el tráiler hay que tener en cuenta el montaje, la banda sonora y las imágenes de los personajes del largometraje, ya que esto determinara en gran medida la estética del tráiler.

Las escenas en los trailers no suelen corresponderse con el orden cronológico de la película, pero a pesar de esto poseen una lógica y un contexto en sí mismas. Como señala Neves,  “Es a través de la reordenación de las escenas consideradas como relevantes para la venta de aquella historia (sobre determinado foco y para un cierto público) que el mensaje gana significado y fuerza” (Neves, 2004, p. 67). Esta reordenación de las imágenes viene dada a través del montaje. El tráiler a su vez es un montaje realizado a partir de otro montaje, el film original. Es una  unión de imágenes en la mayoría de veces inconexas que acaban por formar un todo diferente y autónomo del film original. A través de la combinación y reducción de escenas de la película promocionada, se construye una nueva lógica narrativa en el tráiler que difiere de la del film original. Tal y como apunta CíntiaLangie: “La grandeza del tráiler está particularmente en el montaje. Éste representa una eficiente manera de captar la atención del público. Utilizar el tempo cierto, usar creatividad para organizar un orden de imágenes que se torne atrayente e interesante: ésta es la meta del trailer” (Langie, 2005, p. 20).

La banda sonora, el sonido en el tráiler, al igual que  sucede en el film consta de tres elementos diferentes: los ruidos, los diálogos y la música.  Ésta última suele situarse en un plano inferior a las otras dos, es decir, sólo en determinadas ocasiones adquiere más importancia que el diálogo o los ruidos. A pesar de esto, la música resulta imprescindible en el resultado final de la obra. La música representa en el  plano sonoro del film el elemento abstracto: mientras que los ruidos y diálogos tienen un significado   concreto (conversaciones, disparos, lluvia…). A la música se le puede otorgar un sentido mucho más amplio que está en el plano de las emociones.

En el tráiler, la música adquiere una relevancia especial, pues normalmente actúa como hilo conductor de las escenas inconexas que lo forman, es decir, es el elemento de continuidad  en el tráiler. Además,  actualmente existe una tendencia de acompañar a los créditos iniciales y finales de la película con una música que pretende establecer la atmósfera y el estilo del film. En el tráiler también sucede esto, ya que la música que se emplea tiene un papel fundamental en la construcción de la imagen del film que promociona. Es importante destacar que la música del tráiler no siempre es utilizada en la película. Esto puede suceder porque la banda sonora todavía no ha sido definida o porque los responsables de la producción del tráiler creen que una determinada pieza tendrá mayor impacto sobre los espectadores. La música tiene que ir encaminada a la función última del tráiler que es la de seducir al espectador. Esto hace que la música del tráiler tenga unas características propias que se diferencian de las de la película, que no tiene por objeto la seducción. Todo ello hace que la selección de la música sea una elección muy importante, pues además de transmitir información al espectador sobre algunos aspectos como el ritmo o el estilo, tiene que contribuir a generar la expectación que debe crear el tráiler sobre la película original.

Dentro de la edición sonora ocupa  también un lugar importante la narración, que actúa como conexión entre los espectadores y las imágenes que se muestran en el tráiler. La narración suele explicar brevemente la trama de la película y presenta a los personajes.  Además aporta información relevante como el nombre del director, sus películas anteriores o los galardones conseguidos por la película. La narración se puede realizar mediante una voz en off, es decir, un narrador que no aparece en escena, o mediante un personaje o actor. En algunos casos mucho más particulares, el propio director actúa como narrador en sus trailers. En muchas ocasiones el tráiler carece de narrador. En estos casos algunos diálogos de la película funcionan como hilo conductor de la historia. Se escogen diálogos representativos del film que pueden sugerir la trama. Otra fórmula que puede sustituir a la voz en  off son los textos. Mediante palabras o frases aparecidas en pantalla se explica brevemente el núcleo de la película o se complementa el sentido de las imágenes que aparecen en el tráiler.

Dentro de los recursos sonoros también entra el Making of Work In Progress, un reportaje sobre una película,  con fragmentos del rodaje y entrevistas al director, actores y otros cineastas que se emite en televisión, acompaña al film en la edición en DVD o se realiza como herramienta publicitaria para dar a conocer el largometraje.

Los Making Of más breves se utilizan a menudo como material extra en los DVD, para explicar el proceso de producción y reconocer el trabajo de las personas que han participado en el rodaje. En ocasiones, algunas películas incluyen incluso un “ Making Of del Making Of ” a modo de broma. También se pueden utilizar los Making Of en la televisión como material publicitario de películas aún no estrenadas.

En muchas ocasiones el este concepto es llevado a las Universidades e Instituciones educativas para dar a conocer el producto, la mayoría de las veces se realiza un cine foro con la finalidad de que el director y algunos actores den a conocer el largometraje, y respondan preguntan acerca del mismo. Esto incentiva al público a ver el largometraje promocionado.

Un largometraje debe definir sus técnicas de comunicación comercial que son las diferentes maneras de difundir el producto, cada una de ella cuenta con características específicas. Las principales son las siguientes:

  • Publicidad: utiliza los medios de difusión para obtener objetivos comerciales a través de la influencia en la actitud de la audiencia. Informa los beneficios tangibles y no tangibles del producto intentando convencer a la audiencia.
  • Promoción: da a conocer a la audiencia mediante degustación, descuentos o muestras, parte del producto en forma directa. En el caso del cine un ejemplo puede ser entradas de 2×1.
  • Difusión Periodística: informa de manera supuestamente objetiva de un hecho de interés general o particular a la audiencia. Se aplican distintas estrategias según la envergadura del proyecto, algunas productoras testean la recepción lanzando información segmentada para poder vislumbrar qué acogida puede tener el film y como primer recurso para crear expectativa. No suele darse información o características de la película pero se suelen “filtrar” unos primeros datos que llamen la atención de los periodistas (como costo de la película, actores que participan, tecnología punta, etc). Esto suele hacerse más de un año antes del estreno del film. Otro recurso suelen ser las “notas de prensa”, que tienen la misma finalidad pero la diferencia es que la misma tiene un carácter más serio y profesional. Es la fórmula más común para hacer llegar información a los medios. Es un texto conciso que informa sobre los primeros datos de la película. Pero su brevedad, por el contrario, hace que no sea un instrumento conveniente para presentar información desarrollada en profundidad. Se dan unos pocos datos.
  • RRPP: Relación amistosa interesada o premeditada con el fin de generar opiniones favorables e influyentes para el producto. Por ejemplo, una fiesta de fin de rodaje o celebración de estreno.
  • Merchandising: Difunde la imagen del producto a través de subproductos. Suele ser onerosa para la productora y también para la audiencia pero, de todos modos, la ecuación costo-beneficio se evalúa con anterioridad.

Es pertinente consignar que existe otra técnica de comunicación, la “propaganda”, pero ésta se diferencia de las anteriores por tener objetivos no comerciales. Si bien los recursos que utiliza son similares a la publicidad, la propaganda tiene como fin difundir ideas políticas, filosóficas, morales o religiosas.

Todas estas técnicas de comunicación se materializan en algo llamado pieza. Por ejemplo, un spot radial es una “pieza publicitaria”, una nota en un diario es una “pieza de prensa”

A la par que se define el “con qué”, se decide el “cuándo”, es decir, el orden en el tiempo que van a tener las técnicas o acciones de comunicación, tomando en cuenta que para cada etapa del proceso de producción (preproducción, producción y postproducción) y salida al mercado, conviene hacer una comunicación diferente.

  • Cuando comienza el rodaje (o antes): se pretende despertar interés sobre el proyecto; es recomendable recurrir al guión, argumento, filmografía del director y fotos, hacer conferencias de prensa e integrar listas especializadas.
  • Con el rodaje avanzado y montaje: recurrir a fotos del back stage, reels, folletería, notas de los actores
  • Con el film terminado: conviene recurrir a publicidad, proyecciones de la película en mercados del film, pressbook, etc. Las grandes producciones suelen organizar sesiones de entrevistas de los principales intérpretes de la película y director con los medios. En Hollywood, la forma clásica de llevar a cabo esta organización consiste en alquilar una serie de habitaciones de un hotel durante varios días. Los actores y director se sientan en cada una de estas habitaciones y van atendiendo consecutivamente a los distintos periodistas de los diversos medios con los que se ha concertado los encuentros. De este modo se concentran hasta varias decenas de entrevistas en unos pocos días que facilitan material de primera mano a los periodistas

Todas estas acciones están orientadas al público interno y tienen el objetivo de estimular la compra y distribución del film.

Del mismo modo, conviene comunicar al público externo la existencia de la película antes que ella esté terminada, e incluso, en grandes producciones, antes siquiera que ésta haya comenzado a rodarse.

Una herramienta para organizar las acciones de comunicación en el tiempo es el cursograma, especie de “Plan de Producción” que garantiza la correcta operatividad de la campaña.

Tradicionalmente se dividen en visuales (gráficos y vía pública), sonoros y audiovisuales. Dentro de los gráficos, los principales son diarios y revistas, en los sonoros, la radio, en vía pública los afiches y gigantografías, y en audiovisuales el cine y la TV.  Sin embargo, hay que tener en cuenta que cada uno de estos medios de comunicación cuanta con sus ventajas y desventajas, las cuales se mencionan a continuación:

–       Diarios: es un medio masivo, lo cual suele ser beneficioso para la mayoría de los productos, pero es muy costoso a largo plazo. En este medio de comunicación el anuncio se produce por cm x columna, es decir, la  superficie del aviso.

–       Revistas: son un medio muchísimo más segmentado, óptimo para productos con esta misma característica. Puede publicarse en revistas especializadas en cine o revistas no especializadas, pero de alto alcance público. Se utiliza la fracción de página, por ejemplo media página, un cuarto, etc. El costo varía según la revista, el número de página y la ubicación en la misma.

–       Radio: en cuanto a la frecuencia AM es masiva y muy económica; y la frecuencia FM es más segmentada y relativamente económica. Aquí se maneja por segundo, o sea por duración del aviso. También varía su costo por el rating que tenga el programa y por la ubicación en tanda (horario en el que se quiere que salga el aviso.)

–       Vía Pública: tradicionalmente masiva, hoy los nuevos medios que se utilizan (postales, esténcil) hacen que sea más segmentada. Se utiliza un circuito por tiempo; el circuito incluye ciertas calles específicas que posee la empresa de vía pública, y dicho circuito se cubre durante una cierta cantidad de tiempo. Por ejemplo, en afiches suele utilizarse tres(3) días de publicidad.

–       Cine: por este medio de comunicación suele ser bastante segmentado y poco oneroso teniendo en cuenta que impacta a una audiencia con alta probabilidad de consumir la película. Por este medio, suele transmitirse  el tráiler durante todas las funciones de una sala. No varía el costo según la duración del tráiler sino con respecto a la concurrencia de la sala.

–       Televisión: aquí hay que considerar que existe la televisión abierta que es la que cuenta con mayor masividad pero también la más cara. Mientras que la televisión por cable es muy similar a las revistas, ya que cuenta con una estructura más segmentada. Aquí igualmente la publicidad se maneja por duración, costo por el rating que tenga el programa y por la ubicación en tanda, como ocurre con las emisoras de radio.

Un poco de Historia del cine venezolano

El cine, arte audiovisual que comienza en una Venezuela de dictaduras, guerra y problemas sociales y políticos. Para este época el cine era patrocinado por Marcos Pérez Jiménez, para que mostrara las obras que el realizaba en el país. El cine también utilizado como forma de entretenimiento llega a realizarse en Venezuela aproximadamente en el año 1896 con las películas  Muchachos Bañándose en la Laguna de Maracaibo y Un célebre especialista sacando muelas en el gran hotel Europa proyectadas por el zuliano Manuel Trujillo Duran en el teatro Baralt de Maracaibo

Para el año 1900 el cine venezolano se ve afectado por las circunstancias políticas y sociales en las que se desenvolvía el país. Pero para el año 1909 se retoma con la filmación de Caracas Carnaval, un cortometraje documental de M.A. Gonham y Augusto González Vidal, financiado por el  dictador Juan Vicente Gómez. Una filmación que proyectaba la celebración del carnaval en la ciudad caraqueña, para la época estas grabaciones eran grabadas sin audio y luego se le agregaba un narrador o una música de fondo que la acompañara.

En 1916, Zimmermann hace el primer largometraje llamado La Dama de las Cayenas inspirada en la novela La dama de las Camelias de Alejandro Dumas. A partir de este año se crean laboratorios y las primeras salas de cine del país. A partir de 1924 va apareciendo el género ficción y el cine comienza a tomar otros temas que no sean la política. Se crea la primera adaptación con La Trepadora de Rómulo Gallegos.

Para el año 1930 se proyecta en Maracaibo la primera proyección sonora en el país con la película El cuerpo del delito, con el equipo de Western Electric y producida por Paramaut. Para 1932 Efraín Gomez produce La Venus de nácar, película que venía con audio integrado. A partir de aquí salen las películas y los cortometrajes sonorizados.

El año 1940 se presenta con varios fracasos taquilleros con Pobre hija mía y Noche inolvidable proyectos creados por la empresa Condor film que es cerrada momento después. Para el mismo año se funda Bolivar Films por  Luís Guillermo Villegas Blanco productora venezolana con mayor trayectoria donde se realizan películas como: El Demonio es un Ángel en 1949, La Balandra Isabel Llegó Esta Tarde en 1950 de Carlos Hugo Christensen y Yo Quiero una Mujer Así en el año 1950 de Juan Carlos Thorry.

En 1950 Venezuela triunfa en los principales festivales internacionales. Luego aparece La Balandra Isabel Llegó esta Tarde, un film basado en el cuento de Guillermo Meneses, publicado en 1934”.

1960 una época en que el cine venezolano comienza a cambiar y a debutar. Se muestra en la gran pantalla el documental Araya de Margot Benacerraf, en el mismo año se fundó Cinesa la primera empresa de publicidad cinematográfica. Para el año 1966 se estrenó el primer largometraje a color realizado en Venezuela llamado El Reportero de Rafael Baledón.

Para el año 1970 fue un año productivo para el país, por los avances petroleros. En 1971, se inaugura la Dirección de Cine del Ministerio de Fomento. Dos años más tarde sale el largometraje Cuando quiero llorar no lloro de Mauricio Walerstein. Mas tarde, en el año 1976 aparece en la gran pantalla Soy un delincuente y un año más tarde, en 1977 se estrena El pez que fuma de Román Chalbaud.

En 1980 el presidente Luis Herrera Campins firma el documento de creación del Fondo de Fomento Cinematográfico (Foncine). Se crean películas como Adiós Miami; Cóctel de camarones; Cubagua; Diles que no me maten; Doctor Bebé; Tiznao; Reinaldo Solar; La graduación de un delincuente; La muerte insiste; La casa de agua; La gata borracha; Orinoko, nuevo mundo; Relatos de tierra seca; El iluminado; Oriana; Profesión vivir. Todas estas películas son patrocinadas por Foncine. En 1985 se estrena Agua que no has de beber y en 1987  sale en la gran pantalla Macu, la mujer del policía de Solveig Hoogesyeijn. Jericó de Luis Alberto Lamata y  Río Negro de Atahualpa Lichy películas galardonadas en Festivales Internacionales.

En 1997 se estrena Salserín la primera vez, realizada por Luis Alberto Lamata. También se estrena Pandemónium de Román Chalbaud y Una vida y dos mandatos, producida por Alberto Arvelo. Para el año 1998, se comienza a disfrutar en la pantalla grande Amaneció de golpe de Carlos Azpúrua. Un año después, en 1999 se estrena Huelepega, Ley de la calle producida por Elia Schneider.

El nuevo ciclo viene cargado de cambios en el cine venezolano, presentándose películas con un nivel de violencia más fuerte, queriéndose representar la problemática política, económica, social y racial que se vive en la sociedad. Pero no se quedan atrás grandes películas de contenido histórico de Venezuela. Para el 2012 la temática en las producciones venezolanas cambia, introduciéndose con películas con un género de comedia, acción y suspenso. Entre ellas están: Cabimas, donde todo comenzó; El manzano azul; Memorias de un soldado; Er relajo der loro; Piedra, papel o tijera; Wayuu, la niña de Maracaibo; Er Conde Bond; Solo en casa; Tiempos de dictadura; Qué detectives y Azul y no tan rosa.

El cine como… ¿una industria cultural?

A pesar de que los guiones de cine venezolano han abarcado distintas temáticas, existe un notable un énfasis en resaltar las problemáticas sociales, no sólo como referencia en las historias, sino también como principal tema de desarrollo. Soy Un Delincuente, de Clemente de la Cerda, y Simplicio, de Franco Rubartelli, fueron las películas venezolanas más taquilleras de la década de los 70, cuando la cinematografía venezolana comenzó a experimentar un crecimiento notable. Por su parte, La Hora Cero y Secuestro Express han sido las dos películas locales más exitosas del nuevo milenio y ambas abordan problemáticas sociales como tema central. Aún así, conviene identificar plenamente cuál es el verdadero motivo de su éxito en las salas de cine; otros filmes como El Caracazo y Amaneció de Golpe (con temáticas histórico-sociales) no han alcanzado el nivel de audiencia mínimo para ser considerados un éxito.

Pese al éxito mencionado de los filmes La Hora Cero y Secuestro Express, los proyectos cinematográficos venezolanos y latinoamericanos están fuera de competencia cuando los estrenos de Hollywood llegan a las salas locales. Sin embargo, otros países como Argentina y México han podido obtener un mayor respaldo para el cine local en comparación con Venezuela, quien tiene una relación 98% (estrenos internacionales)- 2% (estrenos locales); México, quien también emprendió su camino al desarrollo cinematográfico a finales del siglo XIX, hoy en día mantiene un margen de separación entre las cifras de películas internacionales y locales menor al existente entre los filmes venezolanos y los extranjeros.

Siguiendo dentro del marco del cine latinoamericano, en el caso de Argentina, las películas locales han sido, incluso, merecedoras de premios de La Academia: el mayor evento de premiación para la cinematografía. Esto demuestra que el éxito de un filme no sólo se limita a reconocer el lucro generado por venta de boletos, sino que, por el contrario, el reconocimiento artístico también forma parte de los intereses por los que se realiza un largometraje; a largo plazo, los reconocimientos artísticos son la base de nuevos proyectos y ofertas laborales.

Comentarios frecuentes catalogan a los filmes venezolanos como repetitivos y de bajo presupuesto. Sin embargo, a pesar de que el público muestra su descontento con las insistentes tramas dejando, en algunos casos, las salas vacías, los cineastas siguen apostando por largometrajes que centran sus historias en problemáticas sociales. Viéndolo desde el punto de vista de mercado, no tiene mucho sentido apostar por un proyecto que no responde a las necesidades para las que fue creado. Pues, la producción de una película no tiene como objetivo principal, en la mayoría de los casos, exaltar contenido artístico por el simple hecho de ser arte, sino, más bien, aprovechar ese contenido para generar lucro; de allí nace el concepto de cine como industria cultural.  Los filósofos Horkheimer y Adorno crean el concepto de industria cultural como todo medio de comunicación, que por ser una producción masiva y un negocio, no son considerados principalmente un producto artístico porque su objetivo es el consumismo. Como crítica hacia la producción masiva, los autores afirman que este tipo de bien llevaría al individuo a su atrofia creativa, al de su espíritu crítico, así como también al de su sentido de entretenimiento y diversión, pues el motivo principal por el que se produce el filme no es cultural, sino de intereses terciarios. No obstante, si la película es producida por el Estado, esta si se considera un arte, pues, en este caso, el principal interés es el desarrollo cultural.

Como contraste a la postura de Horkherimer y Adorno, Walter Benjamín, otro pensador, considera que el cine sí es una forma de expresión artística, sólo que no se rige por los patrones de producción artesanal, sino que adopta nuevo medios de producción para su elaboración; por lo tanto, este no debe ser un elemento clave para determinar si una película es una expresión artística o no.

Si bien es cierto que las manifestaciones artísticas reflejan las preocupaciones y emociones de sus creadores, un colectivo de cineastas han estado apostando desde los inicios por una preocupación común que sigue siendo poco receptiva ante el gusto del público.

¿Receta para el éxito de un film?

Desde su creación, la cinematografía nacional ha experimentado etapas de gloria, declive, descanso, reconocimiento y crítica. En los últimos años, más de una decena de películas locales han llegado anualmente a las salas de cine; unas más o menos exitosas que otras; unas con buenas críticas, otras con malas críticas y algunas en las cuales ni la crítica se interesa; algunas rompen record de taquilla y otras distribuyen sólo 1 copia a nivel nacional.

¿Pero qué garantiza el éxito de un filme? ¿Por qué la crítica recae sobre algunas películas y otras las deja pasar? Sería imprudente pensar que hay una receta para hacer películas exitosas; también habría que definir claramente qué es el éxito y desde qué perspectiva abordarlo. Pese a la dificultad de conseguir esa receta, que de existir dejaría de ser necesaria y las buenas películas perderían su valor, existe una serie de factores que conjugados estratégicamente pueden maximizar las posibilidades de tener una película número 1 en taquilla, recaudación, premiaciones, y, ¿por qué no?, currículo.

La producción de una película no se limita a la duración de la filmación; existe un proceso de preproducción y postproducción en los cuales se afianza el proyecto audiovisual. Elementos como la historia, el guión, el casting, la fotografía y efectos especiales, la temática, la trama, la estrategia de promoción, entre otros, pueden ser factores determinantes para el éxito o fracaso del proyecto. Cada uno de los elementos tiene características individuales, pero forma parte de un sistema en el cual, si todos los factores cumplen su meta satisfactoriamente, se garantizará el éxito del proyecto.

Parece muy sencillo el planteamiento, pero si hacer que una sola cosa funcione correctamente es difícil, garantizar que el conjunto de elementos funcione coherentemente no escapa de una dificultad mayor. También hay que destacar que un sistema puede funcionar correctamente aún cuando sus componentes no actúen de la forma en que se desea; en algunos casos, todos y cada uno de los factores están hechos uno para el otro: una historia cliché, un guión mal estructurado, un casting mal seleccionado y falta de promoción. Se acaba de describir lo que ningún director de cine desea, un sistema perfectamente compuesto por factores que se complementan, uno tan deficiente como el otro.

Un ejemplo de ello en Venezuela es, La Hora Cero, que fue el filme más exitoso de la década que abarca los años 2000-2010; más de un millón de personas acudieron a las salas de cine a ver la película; una película que sin duda ofreció algo distinto, al menos en comparación con los proyectos de los últimos años. Ese “algo distinto” no se refiere únicamente a de qué trató la trama de la película; La Hora Cero ofreció algo distinto en cuanto a estrategia de mercado se refiere. Fue una película que dio de qué hablar, que llegó a todos los rincones del país y de la cual sus creadores se preocuparon por dar a conocer, más allá de la historia, una serie de características alternativas al mejor estilo de una producción norteamericana.

A falta de la producción de un DVD con escenas inéditas, trascámaras, la opinión de los actores y opción multiángulo (producto que en Venezuela no sería precisamente un record de ventas), el equipo de La Hora Cero presentó ese material en vivo y directo en locaciones estratégicas con la presentación de La Hora Cero: Making Of. Además,  con el apoyo del equipo técnico y actoral, dio diversas entrevistas en medios de alcnace regional, nacional e incluso mundial como lo es la televisión por internet, los portales web y las redes sociales. Todo parece indicar que la innovación va de la mano con este proyecto fílmico, que aportó algo definitivamente nuevo a la industria del cine en Venezuela.

La Hora Cero se perfila por ser la película de mayor alcance de la década. El verbo está en futuro porque aún se desconoce la repercusión internacional total de este filme, así como de muchos otros estrenados en la reciente década; sin embargo, las premiaciones y reconocimientos hasta hoy posicionan a esta película por encima de las demás producciones locales; un remake en Hollywood está en proceso de preproducción y La Hora Cero, la banda sonora llegó a las discotiendas y la participación en festivales parece no detenerse aún. Su más reciente proyección local se realizó en diversas salas de cine de Caracas entre el 27 de enero y 3 de febrero de 2012 en el marco de la celebración del 115º aniversario del cine venezolano.


Para saber más: La hora cero